Para entrar en antecedentes, el Expresionismo fue una corriente artística que tenía como fin la búsqueda de los sentimientos y emociones del autor por encima de la representación de la realidad objetiva. Trata de representar la experiencia emocional en su forma más completa sin preocuparse de la realidad externa.
Por ejemplo, en la pintura se caracteriza por colores agresivos, líneas convulsas, fracturadas y sobre todo ondulantes, como puedes ver en “El Grito” de Munch, uno de los mayores exponentes del estilo.
Hay cuatro factores a tener en cuenta sobre el cine expresionista alemán:
Surge como reflejo de la derrota alemana tras la I Guerra Mundial.
Muestra una temática muy diferente que va desde lo medieval a lo futuro
Su técnica se caracteriza por el uso de ángulos extravagantes y decorados irreales, cercanos a la pesadilla
Su fin es que el espectador se sumerja en ambientes grotescos donde se distorsiona la realidad con claro oscuros y elementos violentos.
Hoy me centraré en mis dos películas favoritas del género, Metrópolis (Fritz Lang) y El Gabinete del Dr. Caligari (Robert Wiene), dejando fuera esta vez a Murnau con su Nosferatu.
Metrópolis, mi favorita, es una película muda alemana de 1927 del género de ciencia ficción y dirigida por Fritz Lang.
Es considerada una de las grandes películas del cine expresionista alemán y de la historia del cine mundial.
Fue la primera película considerada Memoria del Mundo por la Unesco. Pocas películas fueron así consideradas (documentales de los hermanos Lumière, Los olvidados por Luis Buñuel y El mago de Oz de Víctor Fleming.)
Sinopsis
En una megalópolis del siglo XXI los obreros viven en un barrio subterráneo donde se encuentra el corazón industrial de la ciudad con la prohibición de salir al mundo exterior. Incitados por un robot se rebelan contra la clase dominante, amenazando con destruir la ciudad que se encuentra en la superficie, pero Freder, hijo del amo de Metrópolis, con la ayuda de María, de la que cae profundamente enamorado y de origen humilde, intentarán evitar la destrucción apelando a los sentimientos y al amor.
Sin embargo, el amo de Metrópolis pide ayuda al cientifico Rotwang, quien le muestra un robot antropomorfo de su invención, que puede tomar tanto la conducta como la apariencia de una persona, así que deciden suplantar a María. Al robot se le manda promover los disturbios para permitir a Fredersen lanzar una represión violenta. Lo que desconoce Fredersen es que el robot contiene el espíritu de Hel (esposa de Rotwang, que tuvo un amorío con el director de la ciudad y falleció al dar a luz a su hijo Freder) y que Rotwang utilizará al autómata como instrumento de venganza contra el presidente, su hijo y, contra toda la ciudad.
Estilo artístico
Metrópolis es una ciudad de rascacielos, recuerda a la de las ciudades más modernas de entonces, principalmente Nueva York (aunque la arquitectura de rascacielos surge en la escuela de Chicago).
La arquitectura es art decó, entre los edificios se cruzan las avenidas y las líneas del tren.
Existen lugares con arquitectura propia y característica
En la ciudad superficial está la catedral, de líneas góticas y la casa de Rottwang, de aires medievales.
Además en la ciudad de la superficie hay un jardín que simboliza lo idílico de la vida para los directores de la ciudad y un barrio del pecado retratado con arquitecturas orientales que en esa época estaban tradicionalmente asociadas a lo exótico, sensual y pecaminoso.
En la ciudad subterránea se distingue una zona clandestina asociada con los espacios cavernosos. La alegoría de la salvación de los trabajadores se representa mediante la imagen de los cristianos escondidos en las catacumbas durante su persecución.
Banda Sonora
Fue escrita por Gottfried Huppertz y concebida para una gran orquesta sinfónica. Está influenciada por Strauss y Wagner (siendo ambos compositores muy alabados en el Reich), combinando el timbre orquestal clásico (burguesía, la ciudad de la superficie,...) con toques de modernismo para describir la Ciudad de los Obreros. La Banda sonora de Huppertz fue grabada de nuevo en el año 2001 por la Deutsche Radio Philharmoniker Saarbrücken acompañando a la nueva edición en DVD. La partitura de Huppert también ha sido interpretada estos años por distintas orquestas de todo el mundo en espectáculos en directo y proyecciones de la película.
Existen además una gran cantidad de músicas alternativas para el film, como una banda sonora pop escrita por Giorgio Moroder que contó con la colaboración de distintos músicos como Freddie Mercury y Bonnie Tyler
Interpretación
Comenzamos con el apartado al que quería llegar y que más controversia trae ya que la interpretación varía dependiendo de quién analice el filme y se lía más si tenemos en cuenta que las dos personas responsables de la creación de la película, fueron el matrimonio formado por Thea Von Harbou, la guionista y simpatizante nazi (aunque hay controversia sobre esto con numerosas teorías sobre si era una tapadera) y Fritz Lang (que irónicamente le gustaba bastante a Goebbles), el director de descendencia judía y que acabó huyendo a EEUU.
Metrópolis se apoya por un lado en el marxismo ya que hay dos clases sociales claramente diferenciadas en las que una explota a la otra, la alienación del trabajo podría relacionarse con que haya algunas máquinas sin una utilidad reconocible.
Por otro lado también parece que se critica el ideal de revolución socialista ya que el personaje del robot María, representada claramente como malvada, es quien lanza a los trabajadores a la lucha, y estos, como resultado, destrozan su medio y sustento, empeorando su situación en lugar de mejorarla. (Ergo, revolución = cosa mala)
La llamada a la colaboración entre clases sociales, en lugar de la lucha, recuerda al nacionalsocialismo, pues era la estructura económica que defendía el programa del Partido Nazi, (Al que Thea von Harbou se unió en los 40).
Lang dio a entender un tiempo después que la idea del corazón como mediador entre la mano (la fuerza del trabajo) y el cerebro (la capacidad directora de la sociedad) era falsa y que por ello ya no le gustaba esta película, había poco que él pudiese hacer como director siendo Thea la guionista, a ella pertenecía la idea del cerebro, la mano y el corazón. Y es que en realidad, Fritz estaba mucho más interesado en los aspectos técnicos y arquitectónicos del film que en el trasfondo político de la trama.
La versión inicial sufrió numerosos cortes y modificaciones en su montaje especialmente para su estreno en Estados Unidos (obvio), que desvirtuaron en buena medida el guion. El metraje descartado fue dado por perdido, por lo que la versión conocida durante la mayor parte del siglo XX no era completa.
En 2001 la película fue objeto de una profunda restauración en la que participaron numerosas filmotecas a nivel mundial, lo que condujo a su designación como Patrimonio de la Humanidad. En 2008 Fernando Martín Peña localizó un muy deteriorado fragmento en la ciudad de Buenos Aires, lo que permitió incorporar a la película casi 26 minutos inéditos desde su estreno además de realizar un nuevo montaje más cercano al original que comenzó a comercializarse en 2010
El Gabinete del Doctor Caligari es también una película muda alemana, en este caso de terror estrenada en 1920 (7 años antes que Metrópolis), dirigida por Robert Wiene y escrita por Hans Janowitz y Carl Mayer. Considerada la obra por excelencia del cine expresionista alemán.
Argumento
El Dr. Caligari y su fiel sonámbulo Cesare están vinculados con una serie de asesinatos en un pueblo de montaña alemán: Holstenwall. La película es presentada como un flashback. El narrador, Francis, y su amigo Alan visitan un carnaval en el pueblo donde ven al Dr. Caligari y al sonámbulo Cesare, a quien el doctor presenta como una atracción. Caligari presume de que Cesare puede contestar cualquier pregunta. Cuando Alan le pregunta a Cesare cuánto tiempo le queda de vida, Cesare le responde que morirá antes del amanecer del día siguiente, una profecía que se cumple. Francis, junto con su novia Jane, investigan a Caligari y a Cesare, lo que resulta finalmente en el secuestro de Jane , Caligari ordena a Cesare matar a Jane, pero se niega cautivado por su belleza, entonces, se la lleva fuera de su casa, llevando a los pueblerinos a una larga persecución, durante la cual tiene una caída mortal y los pobladores descubren que Caligari ha creado un muñeco de Cesare para distraer.
Francis descubre que Caligari es en realidad el director del hospital psiquiátrico local y que está obsesionado con la historia de un monje llamado Caligari, quien en 1703 en el norte de Italia usó a un sonámbulo para asesinar personas. Tras ser confrontado, Caligari revela su manía y es encerrado en su propio asilo.
Un plotwist final revela que el flashback de Francis es realmente su fantasía y que tanto él como Jane y Cesare son pacientes del asilo psiquiátrico y el hombre que dice es Caligari es su médico quien dice que no será capaz de curarlo, después de esta revelación de la fuente del delirio de su paciente.
Estilo
El estilo visual de "El Gabinete del Doctor Caligari" es oscuro, retorcido y bizarro, con distorsiones radicales y deliberadas en perspectiva, forma, dimensión y escala crean una apariencia caótica y desquiciada.
En los sets predominan las formas puntiagudas y oblicuas, con calles estrechas y en espiral, y estructuras y paisajes que se inclinan y retuercen en ángulos inusuales. El paisaje de Holstenwall esta pintado en un lienzo, en lugar de ser un set construido. Está caracterizado por trazos de una marcada pintura negra. Las sombras y rayos de luz son pintados directamente, distorsionando aún más la de perspectiva y tridimensionalidad.
Los edificios están agrupados e interconectados en una arquitectura algo cubista, rodeados por oscuros y retorcidos callejones a los que no se les ve un final.
El estilo transmite sensación de ansiedad y terror al espectador, dando la impresión de estar en una pesadilla, una trastornada realidad, o un lugar transformado por el mal, siendo los sets pintados mucho más efectivos que las localizaciones realistas o conceptos de diseño convencionales.
Interpretación
En principio, la idea de los guionistas era la de una denuncia a la actuación del Estado alemán durante la I Guerra Mundial: para ellos, Caligari inducía a un sonámbulo a cometer asesinatos al igual que el Estado alemán inducía a su pueblo a perpetrar crímenes, que de hecho se llevarían a cabo de nuevo una década después en la Segunda Guerra Mundial.
El guión original de Hans Janowitz y Carl Mayer fue modificado, y Wiene, presionado por la productora y esta por las autoridades alemanas, se vio forzado a añadir una escena inicial y otra final que trastocaban el sentido de la historia, las escenas en las que se mostraba la película como un flashback y se veía a Francis contando su historia en el hospital psiquiátrico, quedando la película convertida en el relato de un loco, asociando así la idea de la crítica al estado como un delirio. Aunque la película suele seguir considerándose como una crítica contra el totalitarismo alemán, con las escenas añadidas, da paso a una interpretación como una oda al poder y la autoridad en contraposición a la anarquía y la locura.
Como último inciso, muy recientemente la banda madrileña Toundra grabó una BSO alternativa para está misma película, dando lugar a una maravillosa obra que tenéis disponible en Spotify y que aquí os dejo para vuestro disfrute.
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